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Todo Que Ver con: Los Mejores y Peores Villanos de 007

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Se dice que un héroe es solo tan bueno como su villano, pero ¿Qué tanto afecta el personaje del villano en la calidad de la historia de la que forma parte?

Como tu 007 fanboy de confianza, me he dado a la tarea de evaluar a todos los villanos de las 25 películas de la saga para seleccionar a los 5 mejores y los 5 peores. Al final sabremos si realmente el hecho de ser un villano sobresaliente o mediocre afecta de forma significativa la calidad de la película en la que aparecen.

Arrancamos con la lista:

#5 Mejor: Blofeld (You Only Live Twice)

You Only Live Twice (1967) | MUBI

El villano mas representativo de 007 es Blofeld, cabeza de SPECTRE y el némesis de James Bond por excelencia. A lo largo de la saga ha sido interpretado por diversos actores de formas variadas, pero sin duda la que más resuena en la cultura pop es la imagen de Donald Pleasence. Calvo, con la cicatriz en el rostro y acariciando a su siniestro gato blanco. Su interpretación en “You Only Live Twice” dejó el plano de como se ve y actúa un megalómano psicópata con deseos de dominación mundial.

#4 Mejor: Max Zorin (A View to a Kill)

Max Zorin View To A Kill | Skinny Ninja Mom

En la era de Roger Moore, la gran mayoría de los villanos siguieron el patrón marcado por Blofeld y Max Zorin es quizás la versión mas exagerada de todos ellos. Christopher Walken se roba cada escena en la que está con su carisma y excentricidades, además tiene excelente química con Mayday; la otra villana de la película interpretada por Grace Jones. La muerte de Zorin es de las escenas mas memorables del personaje, que cae del puente Golden Gate riendo como loco después de luchar con James.

#3 Mejor: Alec Trevelyan (Goldeneye)

What Every Bond Villain Looks Like Today

Goldeneye introdujo un conflicto personal entre James y el villano principal: el colega y exagente 006: Alec Trevelyan, interpretado por Sean Bean. El hecho de que Alec conozca a fondo la forma de actuar de James lo tiene un pie delante de nuestro héroe. La batalla final entre ambos es brutal y cargada de tensión.

#2 Mejor: Le Chiffre (Casino Royale)

Asesinos en serie de cine y televisión que existieron en la vida real -  Zeleb.es

Mads Mikkelsen es una excelente opción para interpretar villanos en la pantalla grande y este papel en Casino Royale marcó el inicio de su racha de antagonistas. Le Chiffre es calculador e intimidante, pero también es presentado en un plano con mas dimensiones: El también tiene sus problemas y miedos que lo motivan a poner en marcha sus planes. En sus escenas jugando poker con Bond o torturándolo se deja ver la excelente química que tiene con Daniel Craig y por ello es muy satisfactorio verlos juntos.

#1 Mejor: Raoul Silva (Skyfall)

La prensa británica encumbra a Bardem como uno de los mejores villanos de  007

Javier Bardem roba cámara en todas sus escenas de Skyfall. A pesar de tener poco tiempo en pantalla, deja una fuerte impresión con su caracterización del cyber Terrorista que busca vengarse de M. Con una mente macabra y calculadora y a la vez con mucho carisma, es un villano inolvidable.

 

#5 Peor: Elliot Carver (Tomorrow Never Dies)

Neville F Chamberlain on Twitter: "Happy Birthday to 🏴󠁧󠁢󠁷󠁬󠁳󠁿Welsh  born @RADA_London trained stage, film & television actor #JonathanPryce  #BOTD in 1947 in #Carmel seen here as the media mogul Elliot Carver in

Un actor del calibre de Jonathan Pryce tiene todo lo que requiere encarnar a un villano de la saga. Desafortunadamente, el personaje de Elliot Carver es de los villanos menos desarrollados de la saga. No conocemos mucho de él, pero tampoco se nos antoja, porque su presencia es bastante molesta. La escena de su muerte, siendo atravesado por un taladro gigante es el único highlight de su aparición.

#4 Peor: Kamal Khan (Octopussy)

Louis Jourdan, star of Octopussy and Gigi dies | Stuff.co.nz

Octopussy es de las disfrutables películas “malas” de la saga. Aunque la trama es de lo mas rebuscada y no tiene mucho sentido, es muy entretenida por sus secuencias de acción y el carisma de sus actores. Excluyendo al villano, que es muy olvidable. Solo rescato una escena prometedora con Kamal Khan y es cuando Bond lo vence en un juego de backgammon en el que Khan hace trampa con unos dados cargados. Fuera de ahí, no hay nada entretenido con el personaje.

#3 Peor: Blofeld (Spectre)

Bond 25 will reportedly see Christoph Waltz back as Blofeld | GamesRadar+

El némesis de Bond regresó después de décadas de ausencia de la serie en Spectre. La anticipación fue muy grande, más cuando se dio a conocer que lo interpretaría el brillante Christoph Waltz. Tristemente el personaje fue de lo más aburrido y subdesarrollado, Waltz parece estar aburrido en sus escenas. El twist en el que se revela que es hermanastro de Bond y que él ha estado detrás de los villanos de las películas previas de Craig fue la gota que derramó el vaso para mí. En No Time To Die el personaje reaparece unos minutos y fue bastante mejor.

#2 Peor: Karl Stromberg (The Spy Who Loved Me)

Classic Film and TV Café: Bond Is Forever: "The Spy Who Loved Me"

Karl Stromberg es el punto débil de la favorita de los fans: The Spy Who Loved Me. Lo cual es muy extraño porque tiene todo para ser muy memorable: Una base secreta sumergible, un elevador con una trampa con la que puede enviar a sus invitados al tanque de su tiburón mascota y un plan  de dominio mundial. El hecho de que en todas sus escenas está sentado hablando sin mayor variación en su inflexión, lo hace poco interesante. Jaws, el asesino a sueldo de 2.3 metros con dientes de acero que trabaja para Stromberg se roba el puesto a villano memorable de la película, tanto que reaparece en la siguiente película: Moonraker.

#1 Peor: Dominic Greene (Quantum of Solace)

James Bond: Everything That Went Wrong With Quantum of Solace

Otro gran actor desperdiciado es Mathieu Amalric en Quantum of Solace. Que, si han leído otras de mis listas de la saga 007, sabrán que no es de mis películas favoritas. Dominic Greene inicia como un villano prometedor por la caracterización siniestra de Mathieu, pero eso no logra ser suficiente para hacerlo memorable, intimidante o un adversario digno. Su plan maligno también es de lo mas aburrido; revender a Bolivia su propia agua potable con una utilidad para su organización. ¿Y eso es todo? Si eso es todo. No hay plan de destrucción masiva o de cruel venganza que nos dé un sentido de urgencia y tensión. Por todo ello Dominic es el peor villano de la saga.

Terminando este listado, concluimos que el villano, aunque muy importante y generalmente puede hacer o tumbar la película, no necesariamente es un elemento crucial que determine la calidad de la película. Unas de estas excepciones son A View To a Kill y The Spy Who Loved Me, consideradas por muchos la peor y la mejor cinta de Roger Moore, respectivamente. Sin embargo, el villano de la primera sobresale como uno de sus mejores aspectos y en la segunda todo lo contrario.

Con esto terminamos ¿Qué te pareció nuestra lista? ¿Aparecen tus favoritos? Déjanos tu opinión en los comentarios.

Todo Que Ver con Lo Mejor del 2021: Cine

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Dune

Dune (2021) de Denis Villeneuve Todo Que Ver TQV

Por fin después de una larga espera, y de un par de intentos fallidos por adaptar esta épica novela de ciencia ficción de Frank Herbert, este año pudimos ver la versión de “Dune” del director franco-canadiense Denis Villeneuve (“Arrival”). Desde las primeras notas de la retumbante música instrumental nos sentimos inmersos en esta impresionante historia futurista, llena de guerras raciales, impresionantes paisajes, alegorías religiosas y gusanos de arena gigantes. Ha sido tan exitoso el estreno del filme que logró aumentar considerablemente las ventas de la novela que fuera publicada hace más de 50 años, algo similar a lo que logró Peter Jackson con el estreno de la trilogía de “El Señor de Los Anillos”.

Licorice Pizza

Licorice Pizza Paul Thomas Anderson Todo Que Ver TQV

La cantante principal y guitarrista de la agrupación “HAIM” Alana Haim incursiona en la actuación en este filme. Su interpretación ha capturado a la crítica y al público por igual y le ha valido elogios de figuras como J.J. Abrams y el actor John C. Reily, quien incluso ha declarado que verla actuar es lo más parecido al trabajo actoral de Joaquin Phoenix. La cinta, que es la de más corta duración en los últimos 20 años de la filmografía del director Paul Thomas Anderson, es una historia acerca de un amor juvenil ambientada en el Valle de San Fernando en los años 70’s, y ya se postula como una de las favoritas para los premios de la academia del próximo año. Haim hace mancuerna con Cooper Hoffman, hijo del fallecido actor Philip Seymour Hoffman en su debut actoral.

Passing

Passing (2021) Rebecca Hall Todo Que Ver TQV

La actriz Rebecca Hall debuta como escritora y directora en esta adaptación de la novela del mismo nombre de Nella Larsen, protagonizada por Tessa Thompson y Ruth Negga como dos amigas de la infancia de ascendencia afroamericana que se reencuentran en el Nueva York de la década de 1920. Ambas están “pasando por blancas”, al grado que incluso el personaje interpretado por Negga (Clare) está casada con un hombre blanco que desconoce el origen de su propia esposa. El filme retrata con gran precisión y empatía las secuelas psicológicas del racismo y los obstáculos para avanzar en un mundo intolerante, a través de la frágil y complicada dinámica de sus protagonistas. 

The French Dispatch

The French Dispatch (2021) Wes Anderson Todo Que Ver TQV

La peculiar visión del brillante Wes Anderson (“The Royal Tenenbaums” y “Moonrise Kingdom” entre muchas otras) está de vuelta en este filme que es una carta de amor y un homenaje dedicado a la publicación favorita del director, “The New Yorker” y a la profesión del periodismo en general. Posiblemente el filme mejor logrado de su carrera, el director hace uso de su particular y colorida estética, combinando el diseño de imagen, vestuario y y distintos estilos y lenguajes narrativos (animación, pantallas divididas, blanco y negro y saltos en el tiempo) para profundizar acerca de lo que es contar historias a través del medio escrito que representen la diversidad del mundo en que vivimos, y las experiencias y dificultades a las que se enfrentan quienes se dedican a esta profesión, en la cual la vulnerabilidad de exponerse abiertamente al mundo y las conexiones que haces con los sujetos y lugares acerca de los que escriben son el pan de cada día.

The Power Of The Dog

The Power of the Dog (2021) Netflix Todo Que Ver TQV

Escrita por la multi laudada guionista, directora y productora neozelandesa Jane Campion (“The Piano” y “Top Of The Lake”) Netflix estrenó este año “The Power Of The Dog”, una historia del clásico oeste de los Estados Unidos (aunque fue filmada en Nueva Zelanda), basada en la novela homónima escrita por Thomas Savage, la cual, al igual que el filme puso de cabeza a la icónica figura del cowboy y revolucionó el género western. La película ambientada a principios del siglo XX cuenta la historia de dos hermanos dueños de un rancho en Montana, interpretados por Benedict Cumberbatch y Jessee Plemons con personalidades completamente distintas, lo que provoca que siempre estén en conflicto. Destaca la interpretación de Cumberbatch, haciendo un papel muy distinto a todo lo que nos había presentado, quien con su papel de Phil Burbank representa a la perfección lo más desagradable de la naturaleza humana. También destacan las actuaciones de Kirsten Stewart y el australiano Kodi Smith-McPhee, quienes son víctimas de la rivalidad entre los hermanos y las manipulaciones del personaje de Cumberbatch.

Madres Paralelas

Madres paralelas (2021) Pedro Almodovar Penelope Cruz Todo Que Ver TQV

En este nuevo melodrama, el director español Pedro Almodóvar repite mancuerna con Penélope Cruz por séptima vez, en esta ocasión interpretando a una mujer madrileña de mediana edad que se convierte en madre, a la vez que trata de hacerle justicia a su abuelo, quien fuera asesinado durante la Guerra Civil Española, y cuyo cadáver fue arrojado en una fosa común. Una película política, pero también muy humana, Madres Paralelas es un homenaje a las madres y al crucial papel que juegan en la historia de la civilización, la cual no podría evolucionar de no ser por ellas.

West Side Story

West Side Story (2021) Steven Spielberg Todo Que Ver TQV

Parte de la magia de este filme es el hecho de que Stephen Spielberg haya logrado crear una adaptación que se siente moderna y clásica al mismo tiempo. El guionista Tony Kushner le dio un giro a la ya conocida historia de la lucha entre pandillas al estilo “Romeo y Julieta”, dándole un punto de vista más genuino a cada uno de los personajes y lo que nos permite empatizar con sus distintas perspectivas. Mientras tanto, Spielberg trajo por primera vez al género de los musicales su particular estilo cinematográfico, que se aprecia tanto en los detalles de escenificación, encuadres y diseño visual del filme, logrando un producto que aunque sigue siendo fiel al espíritu del original, es lo suficientemente innovador como para atraer a nuevas generaciones.

Annette

Annette (2021) Adam Driver Marion Cotillard Todo Que Ver TQV

Uno de los filmes más inaccesibles, provocativos y bizarros del año, Annette es una ópera musical casi 100% cantada en el que uno de los personajes principales es interpretado por una serie de marionetas. La marioneta en cuestión es el personaje titular, la hija de un comediante (Adam Driver) y una famosa cantante de ópera (Marion Cotillard) que están enfrascados en un matrimonio extremadamente tóxico. El filme, escrito por Rusell y Ron Mael, integrantes de la banda “Sparks” cuenta con la dirección del francés Leos Carax, quien después de 10 años sin dirigir un proyecto nos presenta su primera película hablada en inglés. El filme no es para todas las sensibilidades, una especie de fábula de horror que reinventa el género de la ópera rock, que aunque tiene ciertas fallas, se aprecia la ambición del proyecto y sin dudas es algo muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver.

The Green Knight

Dev Patel The Green Knight Todo Que Ver TQV

Basado en un poema arturiano del siglo XIV, “The Green Knight” es la épica historia de un mito, un profundo análisis de la masculinidad y lo destructivo que puede ser el ego. Dev Patel hace uno de los mejores papeles de su carrera en su interpretación de Gawain, uno de los caballeros de la Mesa Redonda del Rey Arturo, quien arriesgadamente acepta el reto de enfrentarse al Caballero Verde, lo que lo llevará a un viaje a través de la tierra. El director americano David Lowery logra retratar espectacularmente el paisaje británico, capturando el esplendor de su belleza pero a la vez desenterrando los terrores que se esconden tras su superficie.

Zola

Cine Zola 2021 Todo Que Ver TQV

Una de las películas más polémicas del año, esta comedia negra dirigida por Janicza Bravo y escrita por Jeremy O. Harris es el primer filme basado en un hilo de Twitter que a su vez inspiró un artículo de la revista Rolling Stone titulado “Zola Tells All: The Real Story Behind the Greatest Stripper Saga Ever Tweeted”, escrito por David Kushner. El filme cuenta la historia de un alocado fin de semana en el que Zola (Taylour Paige) conoce a Stephanie (Riley Keough) una bailarina de striptease que la convence de viajar con ella a Florida. Lo que eleva el filme mas allá de la novedad de estar basado en un hilo viral es la ágil dirección de Janicza Bravo, quien hace uso de efectos visuales y de sonido frescos y dinámicos, y el trabajo actoral del elenco, en especial Page, Keough y Nicholas Braun cuyas interpretaciones inyectan una buena dosis de humor negro y frescura a uno de los filmes mas violentos, cómicos e impactantes del año.

Todo Que Ver con Lo Mejor del 2021: Televisión

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Succession
HBO Max

Succession Television HBO Max Todo Que Ver TQV

Si a estas alturas no has visto un solo episodio de “Succession”, seguro conoces a alguien que no se cansa de recomendarte la serie, insistiendo que es una de las mejores de los últimos años. (Si ya la viste, probablemente eres el amigo incómodo que no deja de obligar a quien se deje que vea esta serie. Bienvenido al club). Pues aquí en Todo Que Ver estamos para decirte que todo lo que escuchaste es cierto y más. Parte intriga político-familiar con tintes Shakespereanos y maquinaciones a la escala de “Game Of Thrones”, parte comedia incómoda al más puro estilo de “The Office”, “Succession” no ha hecho más que crecer en cada capítulo de su tercera temporada. Después de que en el final de la segunda temporada, Kendall (Jeremy Strong) responsabilizara públicamente a su padre Logan (Brian Cox) de los escándalos ocurridos en el negocio familiar, se desató una guerra en la que las alianzas y traiciones están a la orden del día, lo que es malo para las acciones de WaystarRoyco pero buenísimo para nosotros como audiencia, que no pudimos despegarnos del televisor siguiendo las maniobras cometidas por los miembros de la familia Roy y anexos para mantenerse en el poder durante los 9 episodios que se proyectaron este año, hasta llegar a un final de temporada que nos dejó a todos con la boca abierta.

Ted Lasso
Apple TV+

Television TQV Todo Que Ver Ted Lasso Apple TV+

La primera temporada de “Ted Lasso” nos cayó en el 2020 como una bocanada de aire fresco justo en el momento en el que más necesitábamos una buena dosis de optimismo, tanto así que fue nominada a 20 premios Emmy el año pasado. La serie cuenta la historia de un amigable entrenador de fútbol americano que es contratado para entrenar a un equipo de la máxima liga de fútbol soccer inglés, y se enfrenta a un choque cultural debido a su excesivo positivismo que contrasta marcadamente con el cinismo de la cultura británica. Durante la segunda temporada, los escritores pudieron habernos ofrecido más de lo mismo, pero decidieron explorar las complejidades de su protagonista, cuestionando el origen de su personalidad en exceso optimista y argumentando que ninguna persona, ni siquiera Ted, es perfecta en todo momento, lo que le dio más profundidad y complejidad a su personaje, explorando temas de salud mental y masculinidad tóxica. Aun así, a pesar de la añadida complejidad, la serie sigue teniendo un gran corazón y cada capítulo sigue siendo el equivalente televisivo de cobijarte en un día nublado con una taza de chocolate caliente.

Mare of Eastown
HBO Max

Television Todo Que Ver TQV Mare of Easttown Kate Winslet Evan Peters

Lo que a simple vista parecía ser una serie más acerca de un crimen en un pueblo pequeño americano (véase “The Killing”, “Twin Peaks”, “Fargo” y un sinnúmero de series de televisión con la misma premisa) terminó siendo una de las mejores series de la última década. Kate Winslet nos entrega una de sus mejores actuaciones (que ya es mucho decir) y los guiones del escritor Brad Ingelsby nos presentan un excelente estudio de personaje de una mujer lidiando con un duelo paralizador y un pasado doloroso. Apoyados por un gran elenco de soporte que lograron dar vida a una comunidad donde las vidas de todos los habitantes están interrelacionadas. En especial destacan en especial Evan Peters y Jean Smart, quien está teniendo un gran resurgimiento gracias a esta serie y su participación en Hacks. Además la serie logró colarse en la conversación pública de tal manera que inspiró uno de los sketches de parodia más atinados del año.

El Juego del Calamar
Netflix

Television 2021 Todo Que Ver TQV Squid Game El Juego Del Calamar

Definitivamente la sensación global del año y la serie nueva más comentada en redes sociales. Este drama coreano de Netflix tiene una premisa que aunque no es completamente nueva, sí es instantáneamente adictiva. Un grupo de desafortunados individuos son abordados para participar en un extraño juego en el que son trasladados a una locación secreta y obligados a participar en una serie de juegos infantiles con consecuencias mortales, todo esto por la posibilidad de ganar $4,600 millones de wones (el equivalente a mas de $791,800 pesos según nuestra investigación experta financiera). Ya habíamos visto un concepto similar en películas como “The Hunger Games” y “Battle Royale”, pero en esta ocasión los productores le dieron un giro al representar esta historia distópica, contrastando elementos infantiles con abruptos estallidos de violencia (a la fecha seguimos teniendo pesadillas con la perturbadora muñeca robot gigante). Ademas de esto, el enfoque que se le da a temas como el clasismo y discriminación, y un sinfin de giros en la trama imposibles de predecir hacen de “El Juego del Calamar” el gran fenomeno del año.

WandaVision
Disney+

Bruja Escarlata y Visión Wandavision Disney+ Todo Que Ver TQV

“WandaVision” no estaba planeada para ser la primer serie del universo Marvel para la plataforma Disney+, ese lugar estaba apartado para “Falcon and The Winter Soldier” pero en un fortuito giro del destino la serie acabó estrenándose antes, y no hay mejor serie para resumir lo que sucedió en el mundo en el último año. Un profundo estudio acerca del duelo, la depresión, la pérdida y el desconsuelo que causa el confinamiento y el encierro, “WandaVision” representa a la perfección la manera en que utilizamos la televisión y la nostalgia como un escape y una especie de “comida de consuelo” para refugiarnos de los problemas del mundo exterior. Todo esto sin mencionar las excelentes actuaciones de Paul Bethany, Elizabeth Olsen y por supuesto la magnífica Kathryn Hahn. Un extenso y complejo rompecabezas que encaja perfectamente en la mitología del universo Marvel, además de ser un viaje nostálgico y un tributo a decadas y decadas de comedias televisivas, “WandaVision” es una serie que atrajo a los dedicados fans del MCU y a el resto de nosotros de igual manera.

Hacks
HBO Max

HBO Max Hacks Television 2021 TQV Todo Que Ver

La segunda serie de esta lista protagonizada por Jean Smart, en esta ocasión haciendo mancuerna con Hannah Einbinder, “Hacks” es una comedia muy astuta que relata la historia de dos mujeres de generaciones extremadamente distintas que descubren que tienen más en común de lo que creen. Deborah Vance (Smart) es una leyenda de la comedia de stand-up que empieza a perder su brillo ante el resurgimiento de nuevas propuestas menos convencionales, y Ava Daniels (Einbinder) es una escritora de comedia de la Generación Z que se mete en problemas al ser “cancelada” por publicar un chiste en Twitter considerado de mal gusto. Ambas son obligadas a trabajar juntas para renovar la rutina de comedia que presenta Vance en su residencia en Las Vegas. A través de esta premisa la serie explora las diferencias entre las distintas perspectivas de ambas generaciones así como el sexismo que existe en la industria de comedia, pero siempre con un gran sentido del humor, gracias al talento detrás de cámaras que incluye a los creadores Lucia Aniello, Paul W. Downs y Jen Stasky, quienes han participado en series como “Broad City” y “The Good Place”.

Maid
Netflix

Maid Netflix Las Cosas Por Limpiar TQV Todo Que Ver Television 2021

Considerada por la crítica especializada como una de las mejores series de televisión del año, “Maid” no solo es una de las mejores representaciones de la difícil lucha a la que se enfrenta la clase socioeconómica baja de los Estados Unidos, sino que logró que la audiencia viviera el continuo estrés de tratar de salir adelante en un mundo en el que todo está en contra y las posibilidades de salir adelante son nulas. Basada en el libro de memorias de la autora Stephanie Land, la serie de Netflix es protagonizada por Margaret Qualley, hija de la actriz Andie McDowell (con quien comparte créditos en la serie) haciendo un trabajo actoral impecable en su interpretación de Alex, una madre soltera que huye de una relación abusiva con el padre de su pequeña hija y tiene que trabajar como empleada doméstica para salir adelante. Además de buscar un lugar en donde vivir debe enfrentarse a la burocracia del gobierno, pelear por la custodia de su pequeña y lidiar con la enfermedad mental de su madre. Lo que fácilmente pudo haber sido el equivalente a una telenovela melodramática se sostiene gracias a las excelentes interpretaciones del reparto y a la naturalidad de los guiones que representan una gran historia de esfuerzo y supervivencia. 

The White Lotus
HBO Max

The White Lotus HBO Todo Que Ver TQV

Una ácida crítica al privilegio creada por Mike White, quien ya había abordado terrenos similares en su anterior serie de televisión para HBO “Enlightened”, “White Lotus” fue una de las series más comentadas del verano. Contrastando las historias de un grupo de adinerados huéspedes de un paradisiaco resort en Hawái con las del staff que está obligado a atender todos sus caprichos, la miniserie de 6 episodios trascendió como más que una simple sátira de los ricos y privilegiados gracias a la calidad de los diálogos y la estructura narrativa del guion, así como a las excelentes actuaciones de todo el elenco, del cual destaca en especial Jennifer Coolidge en el mejor papel de su carrera con su comiquísima y muy compleja interpretación de una mujer determinada a esparcir las cenizas de su madre en la playa. Lo que más destaca de la serie fue el tono específico creado por White (quien escribió y dirigió la totalidad de los episodios), el cual a pesar de ser implacable en su crítica del privilegio y los contrastes sociales, se dio espacio para encontrar la humanidad de cada uno de los personajes.

The Other Two
HBO Max

The Other Two Todo Que Ver HBO Max TQV

Pocas series de televisión han logrado crear una sátira de la industria del entretenimiento con la especificidad que logra esta comedia creada por Chris Kelly y Sarah Schneider, quienes conocen una que otra cosa acerca de comedia, al ser los guionistas principales de la iconica “Saturday Night Live” en su temporada 2016-2017.  Después de ser cancelada por el canal Comedy Central tras su primer temporada y rescatada por la plataforma HBO Max, “The Other Two” logra en su segunda temporada el balance perfecto entre una inteligente parodia y la cómica pero entrañable historia de una familia que navega por primera vez el bizarro mundo de la fama y las celebridades. Afortunadamente, HBO Max acaba de anunciar que estrenará una tercera temporada durante el 2022, por lo cual tenemos familia Dubek para rato.

Sex Education
Netflix

Sex Education Netflix Temporada 3 TQV Todo Que Ver

La serie británica se mantiene como una de las mejores propuestas originales de Netflix gracias a la frescura que le inyecta al genero de las series adolescentes, al abordar con franqueza y naturalidad poco antes vistas en televisión temas como el sexo, el despertar sexual y todos los problemas que existen al crecer y convertirse en un adulto. En su tercer temporada “Sex Education” le brinda a cada uno de los miembros del elenco un momento para brillar, profundizando aún más en las historias de los entrañables personajes que ya conocemos, además de la inclusión de la nueva directora del Instituto Moordale Hope Haddon (Jemima Kirke de “Girls”) quien viene a poner de cabeza la vida de todos los alumnos.

Cinco Series y Peliculas Para Entrar en el Espiritu Navideño

No se puede negar, la Navidad ya se siente en el aire. De repente las casas están llenas de luces de colores, la música en las tiendas son villancicos y nada más, el frío empieza a acechar y vemos Santas y pinos de navidad por todas partes. Empiezan las posadas y reuniones en familia, y la dualidad de las fiestas se empieza a sentir; en la época más fría del año, el corazón se siente más que cálido. Es época de dar, y por eso te queremos pasar una lista de cinco must watch para calentar tu corazón, encender el espíritu de las fiestas y que empieces a vivir la Navidad desde el lugar más cómodo de tu casa.  

1.- Dash and Lily 

Dash And Lily Netflix Todo Que Ver TQV

Esta es una miniserie de ocho cortos capítulos de entre 22 y 25 minutos cada uno que sigue la historia de Dash un verdadero Grinch cuando se trata de la Navidad, y Lily que es todo lo contrario y su felicidad y optimismo encienden cualquier lugar. La historia, basada en el primer libro de la trilogía de Dash and Lily que lleva el nombre de “Dash and Lily’s Book of Dares”, inicia en The Strand, una librería en Nueva York en dónde un cuaderno rojo lleno de acertijos atrae la atención de Dash, que sin saber quién está detrás de esta ingeniosa idea, inicia el juego cumpliendo los retos y comunicándose con la persona al otro lado del papel que en esta caso es Lily. Intercambian historias, retos divertidos y como bien dicen es más fácil abrirte con un extraño que con tu mejor amigo, y así comienzan a crear una conexión sin haberse visto jamás. Una historia linda, con algunos tropiezos que seguro te conmoverá, te interesará y te hará sentir el espíritu de la Navidad. 

2.- Klaus 

Klaus Netflix Todo Que Ver TQV

Una película de caricatura, apta para toda la familia que seguro le ablandara el corazón hasta a la persona más dura de tu casa. Trata de Jesper (voz en español por Sebastian Yatra) un hombre chiflado y consentido que no obedece reglas y quiere vivir la buena vida sin importar nadie más, por lo tanto, su padre lo manda al lugar más horrible y frío de la tierra, Smeerensburg. Ahí, Jesper debe de cumplir con la labor de cartero y juntar cierto número de cartas para que su padre lo deje volver a casa, una tarea difícil, pues en Smeerensburg hay una guerra entre los habitantes que lleva años. Justo antes de rendirse, Jesper conoce a Klaus, un viejo solitario y callado que fabrica juguetes, y aquí divisa un plan para juntar cartas de los niños mientras les entregan juguetes. Una historia completamente diferente de cómo empezó la Navidad y cálida hasta el punto que todo un pueblo es capaz de perdonar y la persona más egoísta de dar a los demás. Pues un acto sincero de bondad siempre provoca otro. 

3.- It’s a Wonderful Life

It's A Wonderful Life Todo Que Ver TQV

Un clásico total de las películas navideñas, pues este título ha estado con nosotros desde el ‘47. Basada muy superficialmente en la historia “A Christmas Carol” escrita por Charles Dickens, cuenta la historia de George Bailey, una persona que ha abandonado sus sueños y se encuentra en medio de una depresión toma la decisión de quitarse a vida justo en la víspera de la Nochebuena (si, parece triste y para nada se ve el espíritu navideño para este punto, pero esperen). Entonces, su ángel de la guarda interviene y le muestra a cuántas personas ha impactado y como sería la vida de todas ellas si él no existiera, haciéndolo así cambiar de perspectiva sobre la vida y la importancia de las acciones y la empatía a hacia otras personas. Una historia conmovedora que seguro te hará cuestionarte cómo puedes impactar las vidas de quienes te rodean. 

4.- Last Christmas 

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Una historia conmovedora protagonizada por Emilia Clarke, que interpreta a una empleada de una enorme tienda navideña pero ella no cuenta con ese espíritu en lo absoluto, pues para ella ese es solo un trabajo de medio tiempo mientras busca audiciones para actuar y cantar. Es una chica descuidada, distanciada de su familia y algo egoísta, pues no piensa en cómo sus acciones afectan a los que la rodean. Conoce a un chico que se topa por casualidad varias veces, pareciera que el destino los quiere unir, y ella empieza a cambiar sus intereses, a regalar su tiempo con los necesitados y busca reconectar con su complicada familia. Una película que te hará sentir bien y luego te dejará con la boca abierta, pues es una historia navideña con un twist que te sacará lágrimas muy seguramente y te ayudará a entender porque la película lleva por título uno de los hits navideños de Wham! más escuchados hasta el momento. 

5.- Home Alone

Home Alone Todo Que Ver TQV

Por último pero no por eso menos importante, un clásico navideño que nos regaló risas y acción en los noventas, y lo sigue haciendo hasta el día de hoy. Kevin (Macaulay Culkin) es la oveja negra de su gran familia y en fechas navideñas, entre el caos familiar y una falla eléctrica que ocurre a mitad de la noche, Kevin es olvidado y dejado atrás mientras su familia vuela a París. El sueño de todo niño, no hay padres, no hay reglas, solo diversión! Pero todo se complica cuando unos ladrones escogen la casa de Kevin para robarla y dejarla sin nada, lo que significa que Kevin tendrá que encontrar la manera de defenderse a él y a su casa de los malvados ladrones. Una historia divertida, llena de risas y acción, completamente apta para disfrutar con toda la familia o hasta por tu cuenta. Un clásico que seguirá acompañándonos por muchos años más seguramente. Y si tienes ganas de un double feature, siéntete libre de seguir con Home Alone 2 en donde la historia se repite, pero ahora en la gran manzana.  

Y listo. Estas son nuestras 5 recomendaciones que no te puedes perder en esta temporada, pero si eres un fanático de las películas y las fiestas decembrinas, no desesperes, pues hay infinidad de títulos navideños en Netflix, como la trilogía de The Princess Switch, o la de A Christmas Prince. También hay novedades como A Castle for Christmas y A Boy Called Christmas, títulos que tenemos pendientes para ver y comentar contigo en un futuro. Cualquier plataforma tendrá algo que ofrecerte, y si no encuentras nada que te atrape, puedes ver los especiales de navidad de tus series favoritas y comenzar a empaparte de ese espíritu cálido de dar, perdonar y amar. Toma tu chocolate caliente y falalala. 

Reseña: “Misery” de Stephen King (Sin Spoilers)

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✰✰✰✰

Recuerdo haber visto la adaptación al cine y también la adaptación a teatro de “Misery, pero nunca leí el libro hasta ahora. A pesar de conocer a gran escala el desarrollo de la historia, el libro contiene muchas cosas más que las adaptaciones. Además, es bastante más oscuro y violento. La Annie de la novela es todavía peor que la interpretada por Kathy Bates. Otro punto es que la novela nos da todo el monólogo interno de protagonista, que es también muy interesante porque nos hace empatizar más con él y debatir qué haríamos si estuviéramos en su posición.

Todo Que Ver con “Misery” de Stephen King

La historia sigue a Paul Sheldon, el famoso autor de “Misery”; una exitosa serie de novelas románticas que él mismo ya detesta porque lo considera literatura barata y quiere enfocarse en libros más serios. Su fan número uno es la ex enfermera Annie Wilkes, quien lo rescata después de que choca y lo lleva a su recluida casa para curarlo. Paul rápidamente se da cuenta de lo peligrosa que es Annie y que su salud no es una prioridad para ella. Annie solo quiere que Paul escriba un nuevo libro de “Misery” solo para ella y tiene métodos muy persuasivos para forzarlo a hacerlo. Antes Paul escribía para ganarse la vida, ahora escribe para sobrevivir. ¿Podrá Paul escapar? ¿Cuánto le costará?

En los positivos: el libro es muy tenso y adictivo. La historia se desarrolla rápidamente y tiene escenas muy memorables. También conocemos sobre el proceso que conlleva escribir una novela para Paul, que me pareció muy interesante. Además usa un recurso muy original; inserta extractos del libro que está escribiendo Paul a lo largo de la historia. La máquina de escribir que usa pierde algunas teclas, entonces Paul tiene que llenarlas a mano y en el libro impreso estas secciones se ven tal cual de este modo:

Stephen king Misery TQV Todo Que Ver

Un punto en contra es que se apoya en un estereotipo que no ha envejecido nada bien: Las personas con problemas de salud mental son villanos y/o peligrosos. Annie, por cómo se describe su comportamiento en la novela actúa como una persona entre bipolar y esquizofrénica.

Una frase que describe muy bien el mood de la novela es:

-Eres una hija de p*ta. -¿Y chiflada no? -Si claro, chiflada lo estás. -Bueno, pues tendremos que hablar de ello ¿no te parece Paul? Cuando tenga tiempo. Sí, hablaremos mucho de ese tema. Pero ahora estoy muy ocupada como puedes ver. Annie se volvió y continuó limpiando la sangre.

Kathy Bates Misery Stephen King

Un mensaje muy claro que King plantea con esta novela es el conflicto entre lo que un artista quiere hacer y lo que sus fans le exigen que haga. Annie es una gran exageración, pero hoy en día me pongo a pensar en cuantos tweets de odio hay todos los días dirigidos a creadores de x o y película/serie/libro por no hacer lo que los fans esperan. ¿Es normal que lo que consumimos para entretenernos nos cause sentimientos tan intensos? Otro mensaje importante que toca es la adicción. King ha dicho que Annie representa su adicción a la cocaína. No lo deja escapar a Paul de su control y aunque le da un alivio ocasional, poco a poco lo destruye.

Cerramos con la pregunta obligada: ¿Es mejor el libro o la película? Para mí es uno de los raros casos en el que ambos me parecen excelentes y por lo tanto empatan. En la película Kathy Bates y James Caan hicieron tan bien a los personajes, que al leer la novela siempre tuve sus caras en mi mente. No por nada ganó Kathy el Oscar a mejor actriz. La novela, como ya mencionaba es más intensa y violenta, también hace algunas cosas de forma distinta que la adaptación, por lo que sí la recomiendo a quienes ya hayan visto la película.

¿Ya viste o leíste “Misery”? ¿Qué te pareció? Me encantará escuchar tu punto de vista.

Todo que ver con: Las canciones de la saga 007

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Bienvenidos nuevamente a otra lista de su 007 fanboy de confianza. En esta ocasión hablaremos de los temas musicales de las películas de la saga 007.

Una parte muy importante de las películas de Bond es la canción que aparecerá en la secuencia de créditos.
Frecuentemente también en la banda sonora a lo largo de la película se emplean las melodías de dicho tema. La música en el cine en general es un elemento clave para transmitirnos el tono de la película y puede ayudar mucho a enamorarnos de la historia.

Este artículo nace de mi Spotify Wrapped 2021, con el que me di cuenta que escuché más música de la serie que en años anteriores. Así que les comparto mi lista al día de hoy de las 5 mejores canciones y las 5 peores de la serie. Estaré contando solo las oficiales y excluyendo el icónico tema principal.

#5 Mejor: “Live and let die” – Paul McCartney & The Wings

La primera película con Roger Moore como protagonista tiene un energético tema rockero muy variado; inicia suave y rápidamente cambia a notas tétricas y estridentes, para denotar los temas macabros de la película y a continuación las melodía rápida y aventuresca que marca muchas de las secuencias de acción de la película.

 

#4 Mejor: “Tomorrow never dies” -Sheryl Crow

Esta power ballad tiene un puente muy pegajoso y la letra es también muy original.
“Darling you’ve won, it’s no fun. Martinis, girls and guns. It’s murder on our love affair. ‘Cause you bet your life every night while you’re chasing the morning light”.
Contando cómo es imposible para ella tener una relación con alguien como James, haciendo referencia al personaje de Teri Hatcher en la película.

#3 Mejor: “A View to a Kill” – Duran Duran

La última película de Roger Moore también tiene un temazo con una vibra de rock ochentero llena de energía. Aunque la letra no tiene mucho sentido, su melodía vigorizante y las voces de inmediato inyectan energía y te hacen anticipar la aventura que viene.


#2 Mejor: “Skyfall” – Adele

¿Qué decir? Adele hizo magia con esta canción. Homenajeando el estilo de los temas clásicos de la era de Sean Connery, pero con un lente contemporáneo y un tono lúgubre te pone en el estado mental ideal para esperar con anticipación qué pasa con James después de la impactante escena previa. La fantástica voz de Adele es la cereza del pastel.


#1 Mejor: “Nobody does it better” – Carly Simon

El tema de “The spy who loved me” es de los pocos que garantiza ponerme de buen humor cada que lo escucho. Es versátil porque no suena mucho como a una canción Bond a las que estamos acostumbrados. Esta balada de 1977 es una canción romántica muy pegajosa y la letra es un boost a tu autoestima. Ayuda a involucrarte en la relación entre Bond y Anya en la película e inicia justo después de uno de los stunts más icónicos de toda la serie.


#5 Peor: “All time High” – Rita Coolidge

El tema de “Octopussy” no es una canción mala, pero es la cuarta película consecutiva tratando de replicar el estilo de “Nobody does it better” y este no fue el mejor de los intentos.

#4 Peor: “Goldeneye” – Tina Turner

Esta canción tiene un inicio prometedor y muy adecuado al tono de la película, pero no levanta. Parece que le faltó un coro o una sección potente que rompa la monotonía de la melodía para que realmente despegara.

#3 Peor: “Another Way to Die” -Alicia Keys y Jack White.

“Quantum of Solace” hasta en su tema me quedó mal y es extraño, porque Jack White y Alicia Keys son muy talentosos por separado, pero esta canción suena como un frankestein de ideas que no terminan de embonar bien en tono ni en estilo.


#2 Peor: “Thunderball” – Tom Jones

Entramos en territorio controversial porque esta es de las más icónicas canciones de la saga. Fuerte y estridente. Mis respetos a Tom Jones y a sus pulmones.
Habiendo dicho esto, Esta canción es como un despertador: Tan fuerte que repele. Casi siempre la salto cuando sale en mi 007 playlist.

#1 Peor: “The man with the golden gun” – Lulu

No puedo negar que es divertida de una forma exagerada, pero la letra es tan tonta que parece auto parodia. Incluso recita puntos clave de la trama, si te planeas dormir a media película, no hay problema; la canción ya te dice lo que va a pasar.


Así concluimos esta nueva lista. ¿Estás de acuerdo con el ranking? ¿Cuáles son tus canciones favoritas de 007?

Todo Que Ver con “Tick, Tick… Boom!” (Netflix)

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Tick, Tick… Boom!” es una película hecha por y para fanáticos del teatro musical. No hace falta ver un solo cuadro del filme para darse cuenta de esto, basta con echarle un vistazo a su página de IMDB para reconocer el pedigree teatrero que se encuentra detrás de cámaras. 

Dirigida por Lin Manuel Miranda, la mente maestra que nos trajo “Hamilton”, y adaptada por el guionista de “Dear Evan HansenSteven Levenson, y a su vez basada en el musical autobiográfico del escritor de “Rent”, Jonathan Larson, en quien está basado el personaje principal interpretado magistralmente por Andrew Garfield, la historia de “Tick, Tick… Boom!” tiene un fuerte elemento emocional integrado a su estructura, si consideramos el hecho de que Larson nunca logró ver su obra maestra “Rent” representada en escena ya que falleció súbitamente la noche previa al estreno a causa de un aneurisma. A pesar de este hecho, el filme, más que una tragedia, es un tributo en el mismo tono alegre y conmovedor que Larson empleó en “Rent” y con la cual revolucionó el mundo del teatro como se conocía hasta entonces. 

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¿De que trata “Tick, Tick… Boom!”

“Tick, Tick… Boom!” da inicio cuando Jonathan (Garfield) está a punto de cumplir 30 años de edad y se encuentra en medio de una crisis muy común en las personas que dedican su vida al arte. Después de muchos años de sacrificios y de tener la convicción de que, pese a las adversidades, si trabajas muy duro y no quitas el dedo del renglón, el éxito inevitablemente tendría que llegar, por primera vez se ve confrontado con el hecho de que el tiempo pasa y estás en el mismo lugar en el que empezaste. 

La historia nos presenta a Larson cuando se encuentra luchando sin éxito por llevar a cabo su primer musical, una obra con un concepto muy extravagante y futurista titulada “Suburbia”. Su más grande temor es no lograr el éxito antes de cumplir los 30, ya que su máximo ídolo, el legendario Stephen Sondheim (aquí interpretado con gran veracidad por Bradley Whitford), logró el reconocimiento del público antes de llegar a esa edad. En otro irónico giro del destino, en la vida real Sondheim falleció a escasos días del estreno del filme, el cual al tratarse de un tributo de Lin Manuel a Larson, basado en la obra que a su vez fue un tributo de Larson a Sondheim, acaba siendo una carta de amor a todos los creadores del teatro musical que han inspirado a las nuevas generaciones.

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Uno de los grandes aciertos del filme es el magnífico trabajo actoral que realiza Garfield, quien gracias a su carisma logra que el público empatice con el personaje de Larson, quien, como casi todo genio artístico, puede llegar a parecer ensimismado y egoísta, sobre todo en sus interacciones con su novia Susan (Alexandra Shipp) y su mejor amigo Michael (Robin de Jesús), quienes tratan de inyectar un poco de pragmatismo en su vida y lo aconsejan para que busque un sueño más realista y un ingreso fijo. Larson los hace a un lado en más de una ocasión en su obsesión por montar la obra en la que está trabajando. La vibrante interpretación de Andrew Garfield nos permite conocer un poco como era en la vida real Larson y gracias a los matices que le da a su personaje nos ayuda a entender cómo la gente a su alrededor lo perdona y siente simpatía por él, ya que a nosotros como audiencia nos pasa lo mismo. 

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A lo largo del filme, Lin Manuel introduce muchos guiños para los fanáticos de Rent, desde las referencias a la epidemia del virus del VIH, hasta detalles de la historia como el momento en el que el departamento de Larson se queda sin luz y tiene que encender una vela, el apodo de “Pookie” que le da al personaje de Michael, y la novia bailarina. Incuso las canciones tienen un estilo melódico muy similar a las de Rent, excepto por el tema “Sunday” el cual está basado en la obra de Sondheim “Sunday in the Park with George”, en una de las escenas mejor logradas del film, un número musical que se lleva a cabo en el restaurante donde trabaja Larson y está plagada de pequeños cameos de figuras importantes del teatro musical, incluidos el elenco original de “Rent”.

No todo es perfecto en el filme. Existen ciertas reservas acerca de la manera en que es abordado el tema del VIH, que aunque bien intencionado, es narrado del punto de vista del protagonista, un hombre heterosexual blanco que termina apropiándose de la historia del personaje que si tiene el síndrome de inmunodeficiencia adquirida. Y salvo un par de números musicales que resaltan entre los demás, las canciones se sienten como primeros borradores de los temas incluidos en la banda sonora de Rent, lo cual era de esperarse ya que las canciones fueron compuestas por Larson antes de escribir su más laureado musical, y apenas estaba afilando sus habilidades de compositor.

Sin embargo, al final “Tick, Tick… Boom!” es un filme muy animado gracias a la imponente interpretación de Garfield, y un homenaje muy emotivo, gracias al uso de todos los elementos ya conocidos por los fanáticos del teatro musical, y que a su vez también puede convertir a uno que otro miembro del público que no sea adepto al género.

Todo Que Ver con Taylor Swift: Red (Taylor’s Version)

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Escribir acerca de la música de Taylor Swift es muy distinto que hacerlo de cualquier otro cantante. Entrar al agujero de gusano que nos lleva al universo que creó la cantante es sumergirse en una franquicia mitológica más compleja que el Universo Cinematográfico de Marvel o la Saga de la Guerra de las Galaxias. El “Swiftiverso” es una estructura meticulosamente planeada donde todo tiene una razón de ser y nada sucede por casualidad. Swift, la reina del “easter egg” selecciona cuidadosamente cada emoji que utiliza en sus interacciones en redes sociales, el color de cabello o esmalte de uñas con los que aparece en sus videoclips, y cada respuesta que da en sus entrevistas. Todos son tratados con una reverencia mitológica que pondría verde de envidia a cualquier líder de culto o religión y ningún detalle es demasiado insignificante como para convertirse en un presagio de lo que está por venir en el mundo de Taylor. Y eso sin hablar de la mítica bufanda. Pero dejaremos lo mejor para el final.

“Red” es el segundo de seis discos que la cantante anunció que regrabaría para retener los derechos de licencia sobre su música después de la adquisición de su anterior disquera “Big Machine Label Group” tras una larga y muy publicitada batalla. También es una de las producciones más significativas de su carrera, ya que fué la que marcó el final de la transición entre la adolescente de rizos rubios y vestidos de flores que conocimos en sus inicios cantando sus propias canciones acompañada solamente por su guitarra, y la mega estrella pop ganadora de múltiples Grammys y creadora de su propio emporio de música.

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Este material discográfico fue lanzado originalmente en octubre de 2012, cuando Taylor Swift empezaba a adquirir una fama de ser una especie de “ligadora en serie” gracias a la especulación que ocasionaron sus relaciones amorosas con celebridades como Taylor Lautner y John Mayer. Había una clara diferencia entre cómo la percibían sus fans, que se identificaban con su manera de representar en canciones las desilusiones que pueden causar las decepciones amorosas a esa edad, y la prensa amarillista que subestimaba sus talentos, catalogandola como una ex novia vengativa que se dedicaba a coleccionar víctimas para después destruirlos en las letras de sus canciones.  

Afortunadamente en los últimos años hemos empezado a ver un cambio en el tratamiento que se le da en la conversación pública a las celebridades femeninas, sobre todo después de que saliera a la luz la verdad de los casos de Britney Spears entre otros, y la crítica especializada por fin le ha otorgado a Taylor Swift el reconocimiento que merece por sus habilidades como una de las mejores y más prolíficas letristas y compositoras de nuestros tiempos, sobre todo después de los lanzamientos de “Folklore” y “Evermore” en Julio y Diciembre del 2020.

Al igual que con su anterior relanzamiento, “Fearless” (Taylor’s Version)”, volver a escuchar los temas regrabados por una Taylor Swift con una mayor confianza y madurez artística, tanto en sus habilidades vocales como en el nivel de producción, es una oportunidad para apreciar el crecimiento de Taylor a través de los años. La mayoría de los temas no sufrieron grandes cambios y son fieles a la esencia de los originales, salvo una que otra mínima modificación en los arreglos o en la intención de la voz. En esta ocasión la instrumentalización es más afilada y llevada a un primer plano, los sonidos de guitarra y percusión se escuchan con mayor nitidez. La intención en su voz proyecta una mayor calma y mesura, a diferencia del entusiasmo juvenil que escuchamos en sus versiones originales.

Canciones de la Bóveda de Taylor Swift

Como ya es costumbre en estos relanzamientos, Taylor se echó un clavado al baúl y grabó versiones descartadas del álbum original. Temas que fueron escritos durante la producción del disco y que no habían sido lanzados oficialmente en sus álbumes anteriores, y que al igual que el resto del disco son una ecléctica combinación de géneros que va desde el pop, country, indie rock y los primeros usos de sintetizadores en sus canciones, a diferencia de sus anteriores producciones donde la instrumentación era muy simple.

Taylor Swift Phoebe Bridgers Nothing New Todo Que Ver TQV

A pesar de ser temas desechados del lanzamiento original esto no los hace de menor calidad, algunos de ellos incluso logran superarlos y facilmente podrían formar parte del canon de los mejores temas de la cantante. Destaca en particular el tema “Nothing New” que canta a dueto con Phoebe Bridgers. Es fácil imaginarse el motivo por el cual el tema fue descartado del original, ya que es una canción en extremo honesta en la cual Taylor Swift se muestra muy vulnerable y externa la inseguridad que le provoca ser parte de una industria de la música que trata a las cantantes jóvenes como productos desechables y siempre está buscando a la siguiente novedad. En la letra Taylor describe la ansiedad y miedo de enfrentarse en unos años a la versión más joven de ella misma:

“the kind of radiance you only have at 17 / She’ll know the way and then she’ll say she got the map from me”

(“el brillo que solo se tiene a los 17 / Ella conocerá el camino y dirá que obtuvo el mapa de mí”)

El hecho de que Taylor Swift haya escrito el tema cuando tenía solo 22 años es fascinante en retrospectiva, más si consideramos el hecho de que recientemente la vida imitó al arte, con el fulminante éxito de Olivia Rodrigo, una intérprete de tan solo 18 años de edad que con su álbum debut provocó muchas comparaciones con Swift. Rodrigo públicamente ha expresado su admiración por la cantante e incluso Taylor participó en la composición de uno de los temas de su disco, dándole la vuelta al estereotipo de rivalidad e inseguridad que describe la misma canción. También la participación de Bridgers en la canción juega un papel muy importante por este motivo, al Taylor permitirse colaborar con alguien más joven que ella he incluso cederle una estrofa del tema de la canción. La combinación de ambas voces es un acierto, al contrastar el tono bajo y actitud desinteresada de Bridgers con la brillantez y sinceridad natural  de Taylor.

Sobresale también “Ronan”, canción que fué originalmente grabada como un sencillo cuyos fondos fueron destinados a la investigación sobre el cáncer. El tema está basado en una publicación de un blog escrito por Maya Thompson, una mujer que sufrió la pérdida de su hijo de tan solo 4 años de edad a manos del cáncer. Un tema desgarrador en el cual Taylor por primera vez compone desde un punto de vista ajeno al suyo, como un adelanto a lo que haría años después en “Folklore” y “Evermore”.

 

“All Too Well” Version de 10 Minutos

Pero sin lugar a dudas la pieza central del material es la versión extendida de “All Too Well”, tema que es considerado por los fans y la crítica como el epítome de las habilidades compositoras de la cantante y su letra más cruda y emocionalmente devastadora. Frases de la canción original se han vuelto emblemáticas para sus fans y no es poco común encontrarlas como estados de Instagram o en tatuajes en forma de corazón.

“You told me about your past thinking your future was me”

(“Me enseñaste de tu pasando pensando que tu futuro era yo”)

Taylor y la coautora Liz Rose han declarado en entrevistas que esta ha sido una de las canciones más complicadas de componer, ya que el demo original constaba de 10 minutos lo que les dificulto la tarea de tratar de filtrar qué estrofas quedaban fuera de la canción y cuales permanecen en la versión final. 

Había algo de escepticismo acerca de si las nuevas estrofas no arruinarían una canción considerada casi perfecta por los fans y la crítica, pero no hacen más que agregar a la original. Mucho se ha especulado acerca de la realidad detrás de la historia de la canción, que claramente está basada en la corta pero intensa relación que la cantante tuvo con el actor Jake Gyllenhaal y que terminó por las fechas en las que compuso el tema, pero dejando el morbo y el chisme a un lado, la canción retrata una situación específica pero que se vuelve universal para cualquier persona que ha sufrido un desengaño amoroso.

La especificidad de las letras, la descripción de las hojas cayendo en otoño, bailar en la cocina bajo la luz del refrigerador, y cosas tan mundanas como un llavero o una bufanda se convierten en la fuerza narrativa de la historia. Detalles que pintan un paisaje emocional que captura a la perfección las secuelas de una relación fallida.

El relanzamiento de este álbum fácilmente pudo ser una estrategia meramente económica, pero afortunadamente termina funcionando como una especie de biografía de Taylor Swift. Al escucharlo podemos rastrear su madurez artística y personal. A través de él le otorga a sus fans la oportunidad de comparar su propio crecimiento con el de la artista en la última década, y citando uno de los temas del disco revivir lo que se siente tener 22 años otra vez, sentirse feliz, libre, confundid@ y sol@ al mismo tiempo.

Red (Taylor’s Version)
Taylor Swift
Republic Records, 12 de Nov, 2021
8.9/10

Todo Que Ver con Eternals

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Finalmente llegaron los Eternals con intenciones de expandir el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) a escalas literalmente astronómicas. La recién ganadora del Oscar, Chloé Zhao, es la directora que nos presenta esta nueva película de superhéroes desde su propio lente, sin miedo a la innovación. Lo que no es novedad, es que el cambio es recibido con resistencia. Pareciera que, entre la necesidad de introducir tantos nuevos personajes, y los cambios que comentaremos más adelante, esta película está resultando un tanto difícil de digerir para algunas personas.

Eternals es la película número veintiséis del MCU y la séptima entrega de la Fase Cuatro. Fue escrita por Patrick Burleigh, Ryan Firpo, y la directora Chloé Zhao, a quien sabemos le dieron una libertad creativa no tan comúnmente otorgada por el estudio. Desde el inicio, me dio una sensación de haber llegado a una especie de clase híbrida de historia, religión y cosmología. Nos explican cómo estos seres Celestiales, que han existido desde el inicio del universo y antes de las gemas del infinito, son los gobernantes de toda la existencia. Para quienes hayan puesto atención a la clase de la maestra Sersi, los superdepredadores. Estos dioses crearon después a los Eternos, con poderes tan variados como su aspecto físico, para mantener control sobre el Universo. Este equipo de características divinas está compuesto por un reparto de altura; Gemma Chan interpretando a Sersi, Richard Madden a Ikaris, Kumail Nanjiani a Kingo, Lia McHugh a Sprite, Brian Tyree Henry a Phastos, Lauren Ridloff a Makkari, Barry Keoghan a Druig, Don Lee a Gilgamesh, con Kit Harington como Dane Whitman, con Salma Hayek como Ajak, y Angelina Jolie como Thena. Ya desde aquí, vemos la visión y la primera muestra de amor de este proyecto. Al menos en la religión cristiana, se habla de cómo Dios creó al hombre, y después a la mujer, a su imagen y semejanza. El hecho de tener este reparto, con una diversidad amplia en cuanto a género, origen étnico, color de piel, biotipo corporal, discapacidad, y, al desarrollarse como personajes, orientación sexual, es un mensaje fuerte y claro de que todas las personas somos iguales y dignas de ser producto de una presunta divinidad.

Marvel Eternals MCU Angelina Jolie Salma Hayek

Después de conocer su origen, nos enteramos de que este equipo ha sido mandado al planeta Tierra para proteger a la humanidad de unas criaturas llamadas Deviants, que se entienden como contrapartes malvadas de los Eternos. Conforme se desenvuelve la trama, nos van introduciendo a cada integrante del equipo, llevándonos en un tour por el planeta con lindas escenas grabadas en locación y con luz natural. A diferencia de otras películas de Marvel en donde se limitan mucho al estudio, estas tomas son producto del estilo de la directora que ya conocemos. Tenemos peleas sucediendo en tiempo presente, pero también en el pasado en formato de flashbacks. En cuanto a estas últimas, podemos ver cómo fueron incluyendo grandes obras de los humanos. Por ejemplo, la puerta de Ishtar de Babilonia (actualmente exhibida en el Museo del Pérgamo en Berlín, Alemania). Todo este recorrido histórico, solo puedo interpretarlo como la admiración que siente la directora hacia la historia de la humanidad. Claro, sin dejar de hacer mención a errores monumentales que hemos tenido como especie. Creo que en un contexto de “post” pandemia, resulta muy apropiado hacer algo que instaure un poco de esperanza, a pesar de los errores cometidos en el pasado.

Durante el tour, que puede sentirse desorganizado por momentos, van haciendo un pequeño homenaje a distintas religiones y culturas. Sin duda, resalta el número de Bollywood, siendo un momento de magia que sí cumple con las expectativas generadas desde los cortos. Igualmente sorprendente, es ver la facilidad con la que el personaje interpretado por Lauren Ridloff, sorda de nacimiento, interactúa con el resto del reparto, normalizando de una manera excepcional al primer superhéroe sordo del MCU. Nadie puede negar el hecho de que el cine es un negocio, y por lo mismo, resulta muy satisfactorio ver estos esfuerzos por querer transmitir un mensaje de inclusión. Recientemente, comienza a haber más personajes homosexuales en la pantalla grande y en películas taquilleras. Sin embargo, en la mayoría de las veces se quedan con comentarios o acciones sutiles o el famoso “se dio a entender”, sin hablarlo de manera explícita o mostrar muestras de afecto claras, dejando esa sensación de frustración ante una provocación que nunca cumplió. Es por esto, que cuando se nos presenta a una persona del equipo en una relación homosexual, en matrimonio expresado de manera explícita, y aparte con un hijo, no podemos no reconocer el esfuerzo del estudio. Y digo que es digno de reconocerse, porque como negocio, estas decisiones implican un riesgo en las ganancias finales.

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A lo largo de la película tenemos suficientes escenas de acción con este carácter épico y música maravillosa a la altura del poder de los y las protagonistas. Es claro que estos seres no son humanos, y que, tanto por sus poderes como por su longevidad, se manejan en escalas diferentes. Nos explican que de hecho los Celestiales son los responsables de la expansión del universo, con el lindo detalle de hacer una alusión visual al ciclo de vida de las estrellas, que todo aficionado a la cosmología podrá apreciar. Y entonces, justo por lo sucedido al final de la Saga del Infinito, el planeta está listo para ser partícipe de esta expansión. Desgraciadamente, todo cambio en el universo viene acompañado de un costo, por lo que ahora cada Eterno tiene que tomar la decisión de seguir obedeciendo órdenes de estos seres superiores con fe ciega, o formar un criterio propio y pagar las consecuencias.

El cambio es un tema constante en esta película, desde el saludo a la estatua de Charles Darwin en el Museo de Historia Natural de Londres, la evolución de los personajes (algunos en carácter, otros de una manera más literal), hasta las decisiones innovadoras tomadas en el desarrollo de este proyecto. Es desafortunado que esto sí está generando consecuencias negativas, como las malas críticas que está recibiendo y que me parecen desproporcionadas.  ¿Son muchos superhéroes nuevos? Sí, son diez. ¿Es una película larga? Sí, 2 horas con 37 minutos (con 2 escenas poscréditos). ¿Creo que estos dos aspectos, los más constantes en las malas críticas, explican el puntaje que le otorgan? No. Por un lado, sería bueno que los críticos entendieran que no se está trabajando con un lienzo en blanco. Esta es la historia de un equipo entero. Y mientras que puede resultar pesado introducir a tantos a la vez, creo que Marvel Studios sigue esforzándose en encontrar la mejor fórmula para dividir el tiempo en pantalla de tantos personajes de una manera creativa y fluida. Por otro lado, es imposible no considerar la posibilidad de que los críticos se estén sesgando por la diversidad que existe en esta película. Muchos argumentarán que no se da de manera “natural”, pero se olvidan de que no hay nada más natural que la diversidad misma. Tal vez Chloé Zhao esperaba más de la humanidad, y así como queda un juicio pendiente al final de la película, solo el tiempo juzgará el probable sesgo por discriminación y resistencia a la diversidad. Por lo pronto, quizá es momento de que nosotros también cuestionemos a los de arriba, dejemos de tenerle fe ciega a los críticos, y formemos nuestro propio criterio para así disfrutar de lo que más nos gusta.

RESEÑA: Midnight Mass (SIN SPOILERS)

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Justo a tiempo para el mes de Halloween y Dia de Brujas, Netflix nos trae “Midnight Mass”, una serie dirigida y escrita en su totalidad por Mike Flanagan, creador de las exitosas “Haunting of Hill House” y “Haunting of Bly Manor”, quien ya nos tiene acostumbrados a su particular estilo en el que emplea los elementos que comúnmente encontramos en el género de terror como lo son fantasmas y demonios, pero aplicándolos como metáforas de los fantasmas y demonios internos con los que luchan sus personajes.

Un proyecto sumamente ambicioso, al explorar una gran variedad de temas muy profundos, como son los horrores que se cometen en nombre de la religión, la lucha contra el alcoholismo, y la existencia de la vida después de la muerte, “Midnight Mass” es un proyecto 100% Flanagan, con todo lo bueno y lo malo que esto implica. 

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Entre los puntos positivos del peculiar estilo de este director se encuentra el uso de recursos como la dirección, los colores, la música y la escenografía para evocar una atmósfera macabra e inquietante. Todos los detalles son cuidados al extremo, desde la musicalización de la serie que incluye himnos corales sombríos, hasta el uso de imágenes religiosas en la dirección artística para crear un ambiente que desconcierta al espectador.

Pero al ser esta la tercera colaboración del guionista con Netflix, se empiezan a notar las grietas en la base de su estructura narrativa y comenzamos a familiarizarnos con las muletillas de su estilo. Entre ellas está una clara tendencia a incluir largos monólogos en sus libretos, en los que sus personajes pontifican acerca del mensaje que Flanagan pretende transmitir a su audiencia. Mínimo una vez por capítulo, la historia se detiene de golpe para que uno de los personajes exponga durante casi cinco minutos una moraleja que sería mejor representada mediante la acción de lo que sucede en pantalla. 

Los actores que interpretan dichos diálogos lo hacen con gran talento histriónico, pero después de la tercera o cuarta vez que sucede, la audiencia no puede evitar pensar “aquí vamos de nuevo” y tal vez aprovechar los próximos minutos para ir a prepararse un bocadillo o hacer un breve descanso para ir al baño.

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Flanagan nunca ha ocultado su admiración por el trabajo de Stephen King y el hecho de que el autor ha sido una gran inspiración en su carrera, la cual incluye un par de adaptaciones a la pantalla grande de sus novelas (“Gerald ‘s Game” y “Dr. Sleep”).  Esta influencia es evidente en los 7 capítulos que conforman “Midnight Mass”. Desde la propensidad ya antes mencionada a incluir largos monólogos en sus diálogos, los temas de adicción, fé e hipocresía religiosa, y el estilo lento y sombrío de la narrativa.

Incluso la ubicación donde se desarrolla la trama, la ficticia “Crockett Island” una pequeña comunidad pesquera sumamente religiosa que cuenta con tan solo 127 habitantes y cuya economìa ha sido afectada gravemente por un derrame de petróleo, todos estos son elementos muy caracterìsticos de las novelas de “el amo del terror”.

De que trata “Midnight Mass”?

La historia inicia con el regreso a la isla de Riley Flinn (Zach Gilford) después de pasar cuatro años en prisión por homicidio imprudencial, al sufrir un accidente conduciendo en estado de ebriedad en el cual fallece una chica. Durante su estancia en la cárcel Flinn es atormentado por imágenes de la chica, y empieza a cuestionar su fe en un Dios que permite un mundo en el que existe tanto sufrimiento innecesario.

Esta realización y su sentido de culpa le ocasionan una crisis de fé que lo hace sentirse excluido a su regreso a un pueblo cuya vida gira tan fervientemente alrededor de la religión, incluidos sus padres, y su amor de adolescencia Erin Greene (interpretada por la esposa de Flanagan Kate Siegel).

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También llega a Crooked Island el Padre Paul (Hamish Linklater), un joven y carismático sacerdote que llega a reemplazar al Monseñor Pruitt, quien era una figura muy querida en el pueblo ya que tenía décadas oficiando misa en St. Patricks, la iglesia que está al centro de la isla literal y metafóricamente, ya que también funge como escuela pública y punto de encuentro para los habitantes del pueblo, quienes acuden religiosamente a misa ya que probablemente no tienen muchas opciones para planes los domingos por la mañana.

En un inicio los habitantes del pueblo se desconciertan con la llegada del joven padre, sobretodo porque el padre anterior desaparece bajo misteriosas circunstancias, pero poco a poco empieza a ganarse la aceptación de todos, primero por sus apasionados e inspiradores sermones, y después cuando empiezan a suceder hechos que pueden ser considerados como milagrosos. 

Cabe resaltar la actuación de Hamish Linklater encarnando al joven sacerdote, quien camina perfectamente la línea entre carismático y escalofriante de su personaje, sobre todo a la hora de declamar con gran fervor evangelista los sermones que da el padre en misa, en ocasiones inspiradores y otras perturbadores. 

Hamish Linklater Midnight Mass Netflix TQV Todo Que Ver

Otro personaje clave dentro de la trama es Bev Keane (Samantha Sloyan) uno de los más odiados de la serie pero a la vez uno de los más impactantes. La interpretación de Sloyan nos recuerda a la típica señora mocha que se escuda detrás de su fé para ejercer su juicio contra todos quienes ella considera “pecadores”, lo que le da un aire de superioridad y la hace creer que merece el amor de Dios más que los demás.

Un acierto dentro de la historia es la manera en que retrata la situación de los habitantes de una isla que se encuentra en declive, no solo económico sino emocional. Cada uno de los personajes está lidiando a su manera con algún tipo de pérdida, y esta situación los hace vulnerables a confundir cualquier acontecimiento sobrenatural como una señal divina, a la que se pueden anclar para darle sentido a su sufrimiento.

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La serie tiene un inicio muy prometedor, ya que la historia plantea varios cuestionamientos muy profundos, pero al transcurrir los episodios nos queda la impresión de que Flanagan en realidad no tiene mucho que decir más allá de la reflexión típica de la adolescencia cuando nos empezamos a cuestionar las prácticas de la religión y los pasajes de la biblia que, si son tomados literalmente, no están muy alejados de cualquier historia sobrenatural o de ciencia ficción. 

Si eres fan del estilo de Flanagan vas a encontrar lo que ya conoces, diálogos profundos, secuencias cautivadoras e inquietantes y excelentes actuaciones, y si aún no conoces su trabajo a pesar de sus defectos te vas a encontrar una historia interesante con muchas matices y uno que otro susto que te dejará los pelos de punta.